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También,
debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y
es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por
la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es
la limitación de las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la
pintura, en la cual la estructura de los planos se logra mediante masas
coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en
virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente.
INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS. Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera, piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una reacción química, dando como resultado la fijación de los pigmentos.
Los
romanos emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros)
y la encaústica en retratos. En el arte de la Edad Media se destacan los
mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados en
pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de
tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos
y mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la yema de huevo,
adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco
blanco, aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El
fresco, es un método parecido que se aplicó para pintar el interior de las
paredes y muros, fue muy utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los
pintores barrocos fueron al temple y al óleo en diversas dimensiones o
planos. La sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de las Rocas,
de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera
logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados se mezclaban con aceite
y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una mezcla de
aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el
método transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy
delgadas sobre fondo blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar
cada una, se dejaba secar el exceso de aceite
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Autor: ARTHENJO Obra: Serial Pensólogos Levitantes 2012. Técnica Dibujo sobre mouse. |
Dibujo es la disciplina del trazado y delineado de
cualquier tipo de figura, la cual puede ser abstracta o que represente algún
objeto real; una forma de expresión gráfica. Se le llama Dibujo
Artístico a aquel que no necesita de instrumentos de precisión para su
elaboración, es decir, es trazado a mano alzada y su propósito fundamental es
el de transmitir una idea o sentimiento surgida del mundo subjetivo del autor
al observador.
EL DIBUJO EXPRESIVO
LA
COMUNICACIÓN POR EL DIBUJO
1.LOS ELEMENTOS GRÁFICOS EN EL DIBUJO EXPRESIVO
• Los elementos gráficos y su sintaxis.
• El volumen y el espacio en la representación gráfica.
• Las técnicas gráficas.
protagonista en la composición —un círculo o una mancha que se destaquen aisladamente de los demás elementos de la obra— o una pequeña huella casi imperceptible.
Aplicaciones del punto en el dibujo expresivo
Las funciones esenciales que cumple el punto en el dibujo creativo son, entre otras, la creación de texturas y la creación del volumen.
Los elementos gráficos
La línea
La línea es el elemento gráfico esencial del dibujo. Sirve para describir, concretar y fijar la apariencia de las formas tangibles y también para dar cuerpo a todo aquello que sólo existe en la mente del autor.
Con la línea se dibuja el contorno de las cosas y se delimitan las formas, concretas o abstractas. Sin embargo, si observamos cualquier objeto, vemos que no existe ningún tipo de línea que defina su contorno y que éste queda delimitado por la diferencia de color existente entre el objeto y el fondo sobre el que se sitúa. Por lo tanto, se puede afirmar que la línea de contorno es un artificio ideado por el hombre para hacer posible la representación dibujística.
Tipos de línea
La línea de contorno se puede clasificar en continua o discontinua y en visible o no visible. El dibujante usará una u otra atendiendo a la expresividad, la intención plástica o el carácter que quiera dar a su obra. La línea se puede dividir en grafismos y trazos.
Se llaman grafismos a aquellas líneas que mantienen el mismo grosor en toda su extensión, como si estuviesen dibujadas con estilógrafos u otros instrumentos que controlen su espesor con precisión.
Por el contrario, los trazos son las líneas que no mantienen la homogeneidad y cuyo grosor aumenta o disminuye a lo largo de su recorrido, como si hubiesen sido trazadas con pincel, carboncillo o rotulador variando la posición de la punta.
La mancha es la parte de la superficie pictórica o dibujística que tiene un color, una oscuridad/ luminosidad o una textura distintos a los del resto de la obra. Es un recurso expresivo muy utilizado por los pintores y confiere al cuadro sensación de frescura, de espontaneidad y de libertad creativa.
Aplicaciones de la mancha en el dibujo expresivo
Tienen mayor valor estético las texturas creadas por el dibujante, sujetas a su capacidad creativa y a su destreza manual. Por lo general, presentan una ordenación irregular de los elementos que las componen y son mucho más adecuadas que las primeras para la modulación tanto del volumen como de la luz de las figuras a las que se aplican.
En la actualidad, gracias a los descubrimientos de la teoría de los colores y a la evolución del arte moderno, se reconoce la importancia del tono y la versatilidad de sus aplicaciones, que la equiparan a la de la línea. La aplicación del color en el dibujo no sólo corresponde a la modulación de las formas, sino que también debe estar presente en el fondo de la obra para dotar así de coherencia al conjunto. Esto se puede obtener fácilmente utilizando soportes coloreados.
Los aspectos básicos de la sintaxis gráfica son los siguientes:
Objeto al que pertenece? ¿Y cuántas, en la altura o de otros objetos?.
4. REPRESENTACIÓN SUBJETIVA DEL VOLUMEN Y EL ESPACIO
El claroscuro es el juego de luces y sombras presente en cualquier representación gráfica. Su finalidad esencial es la de modelar las figuras fingiendo la tridimensionalidad que le falta al soporte plano.
Las luces y las sombras
En toda forma iluminada se pueden distinguir diferentes zonas de luces y de sombras. En el dibujo se resuelve su representación aplicando los diferentes valores de las escalas cromáticas y acromáticas, según se trate de dibujos en color o en blanco y negro. Por esta razón, el aplicar correctamente las luces y las sombras en un dibujo recibe el nombre de valorar o entonar.
Generalmente, sobre el cuerpo a representar se encuentran las zonas de luces y sombras siguientes:
• La zona iluminada, que corresponde a la superficie que recibe la luz directamente.
• La penumbra, que es una zona contigua a la anterior, que al recibir los rayos luminosos de forma amortiguada presenta una sombra clara.
• La sombra propia del cuerpo, que es en donde se registra la máxima oscuridad del mismo.
• En algunos casos aparece el reflejo, que es una pequeña extensión cercana al contorno del cuerpo y débilmente iluminada por los rayos que reflejan las superficies próximas a él.
• La sombra arrojada, que es la que proyecta el propio objeto sobre los cuerpos o las superficies adyacentes.
Se puede valorar o entonar un dibujo utilizando cualquiera de los signos gráficos, desde el punto hasta las texturas, pasando por la línea, la mancha, etc. Cada uno de estos elementos proporcionará a la obra una expresividad particular y es el autor el que debe decidir a cuál recurrir en función de su intencionalidad plástica.
El espacio
utilizado por los pintores y los dibujantes es el sistema cónico o perspectiva cónica, tanto en su variante lineal como aérea.
Los fenómenos perceptivos que colaboran a aumentar la sensación de espacio son los siguientes:
• La modulación de las texturas.
• El diferente tamaño de los objetos.
• La convergencia de las líneas paralelas. • La pérdida de definición por efecto de la lejanía.
Las técnicas gráficas son los procedimientos que emplea el artista para la realización de sus dibujos. Las técnicas más usuales son las técnicas de lápices de grafito o de colores, carboncillo y lápiz compuesto, sanguinas, pasteles, tintas y técnicas mixtas.
Se puede dibujar con lápices de grafito de dos formas distintas: con la punta de la mina o con el lápiz tumbado.
Con la punta de la mina se pueden trazar puntos, líneas formando rayados, tramados o cualquier otro signo gráfico. Las diferencias tonales de las luces y las sombras se obtendrán uniendo o separando las líneas de los rayados —muy juntas o entrecruzadas para las sombras y separadas para las luces— o bien engrosando los trazos en las zonas oscuras y adelgazándolos en las claras.
El empleo del lápiz tumbado, por su parte, es idóneo para el dibujo de mancha. La mayor o menor presión ejercida sobre los lados de la mina proporcionará sombras de distintos valores. Los lápices de colores se utilizan exactamente igual que los de grafito y resulta muy interesante la combinación de ambos.
tender con los dedos o con difuminos.
Las principales características del carboncillo a son su gran inestabilidad y su capacidad de producir a negros muy intensos.
El lápiz compuesto tiene la mina de carbón mezclada con un aglutinante que le da mayor fijeza sobre el papel. Existen tres grados de dureza: duro, medio y blando.
La combinación de las dos técnicas, carboncillo y Del lápiz compuesto, proporciona excelentes resultados y en la obra.
Por otra parte, un dibujo hecho a carboncillo no puede borrar con las gomas convencionales. Para corregir los posibles errores se utilizará un trapo blanco de algodón, miga de pan o gomas moldeables. Estas últimas sirven, además, para sacar toques de luz.
Sus características son similares a las del carboncillo y, por lo tanto, su técnica es análoga a la de éste.
Se obtienen muy buenos resultados al trabajarla sobre soportes coloreados, como papeles ocres. grises, cremas...
Se puede difuminar con los dedos, difuminos y/o trapos. además del lavado, que consiste en diluir la sanguina mediante un pincel húmedo.
El pastel
Son barras de colores hechas con una mezcla de pigmentos y resinas. Se fabrican en gran variedad de colores x' en tres grados distintos de dureza, siendo los blandos los más aconsejables por su facilidad de uso y por los delicados matices cromáticos que se obtienen al aplicarlos.
El soporte adecuado para el dibujo al pastel es un papel que tenga una textura con bastante grano. Es conveniente el empleo de papeles coloreados puesto que si no se efectúa mucha presión con las barras. el polvo no penetra en el grano del papel y permite que se transparente el color del soporte.
Los tonos se aplican por medio de punteados, rayados y tramados se pueden difuminar con los dedos y con los difuminos.
Técnicas mixtas
Las técnicas mixtas son aquellas en las que el artista mezcla diferentes medios y procedimientos.
En dibujo es habitual que la obra no esté resuelta íntegramente con una misma técnica gráfica y que el dibujante combine varios procedimientos para obtener una mayor fuerza expresiva.
Lápices con ceras, pasteles con carboncillo, tintas con acuarelas o con gouache... cualquier combinación puede resultar sugerente siempre y cuando se respeten las características propias de cada técnica.
Tipos de los dibujos
Dibujos de Paleolítico
Dibujos y pinturas de la cueva de Altamira.
con todas las actividades primordiales de expresión y construcción vinculadas al conocimiento, a la descripción de
EL DIBUJO EXPRESIVO
El
dibujo es un instrumento de comunicación de primer orden. en todos los tiempos,
en todas las culturas y en cualquier edad. Como todo lenguaje desempeña
diferentes funciones, desde aquella cuyo objetivo es identificar un objeto o
una imagen mental hasta la que, ahondando más, permite transmitir intenciones.
estados de ánimo y sentimientos. Las diversas técnicas utilizadas por el
dibujante, unas intuidas y otras aprendidas. posibilitan esta variedad de
funciones. Con su ayuda, el dibujante logra plasma la realidad tal como es, tal
como la ve o tal como la siente. En este tema trataremos de las técnicas del
dibujo buscando sobre todo la capacidad expresiva de cada una de ellas.
1.LOS ELEMENTOS GRÁFICOS EN EL DIBUJO EXPRESIVO
Conocimientos
básicos
Para
representar los objetos y las formas del entorno por medio del dibujo de libre
expresión, es necesario poseer una serie de conocimientos básicos. Estos
pueden clasificarse en tres grandes grupos:• Los elementos gráficos y su sintaxis.
• El volumen y el espacio en la representación gráfica.
• Las técnicas gráficas.
El
punto
En
dibujo y en pintura el punto no tiene dimensión ni forma establecida. Puede ser
un elementoprotagonista en la composición —un círculo o una mancha que se destaquen aisladamente de los demás elementos de la obra— o una pequeña huella casi imperceptible.
Aplicaciones del punto en el dibujo expresivo
Las funciones esenciales que cumple el punto en el dibujo creativo son, entre otras, la creación de texturas y la creación del volumen.
Los elementos gráficos
Se
consideran elementos gráficos todos aquellos componentes simples que
estructuran y dan cuerpo a un dibujo. Los más utilizados son: el punto, la línea, la mancha, la textura y el color.
Cada
uno de estos elementos puede utilizarse en una doble dimensión: una objetiva y
técnica, orientada más a representar con exactitud los objetos, y otra subjetiva y creativa, orientada más a
expresar las emociones del autor. Esto no significa que las dos dimensiones
sean excluyentes, puesto que en muchas ocasiones se complementan entre sí. Esta
integración de las dos variantes, técnica y creativa, se da en numerosas
aplicaciones del dibujo. Hay disciplinas que requieren del uso de
construcciones geométricas para su planteamiento, así como del empleo del
color, de las texturas... para su resolución final.La línea
La línea es el elemento gráfico esencial del dibujo. Sirve para describir, concretar y fijar la apariencia de las formas tangibles y también para dar cuerpo a todo aquello que sólo existe en la mente del autor.
Con la línea se dibuja el contorno de las cosas y se delimitan las formas, concretas o abstractas. Sin embargo, si observamos cualquier objeto, vemos que no existe ningún tipo de línea que defina su contorno y que éste queda delimitado por la diferencia de color existente entre el objeto y el fondo sobre el que se sitúa. Por lo tanto, se puede afirmar que la línea de contorno es un artificio ideado por el hombre para hacer posible la representación dibujística.
Tipos de línea
La línea de contorno se puede clasificar en continua o discontinua y en visible o no visible. El dibujante usará una u otra atendiendo a la expresividad, la intención plástica o el carácter que quiera dar a su obra. La línea se puede dividir en grafismos y trazos.
Se llaman grafismos a aquellas líneas que mantienen el mismo grosor en toda su extensión, como si estuviesen dibujadas con estilógrafos u otros instrumentos que controlen su espesor con precisión.
Por el contrario, los trazos son las líneas que no mantienen la homogeneidad y cuyo grosor aumenta o disminuye a lo largo de su recorrido, como si hubiesen sido trazadas con pincel, carboncillo o rotulador variando la posición de la punta.
Aplicaciones
de la línea en el dibujo
Además
de la utilidad antes mencionada, las aplicaciones de la línea en el dibujo
creativo son muy numerosas; se emplea para encajar, para crear texturas,
volumen, espacio, para estructurar una superficie, dotar de ritmo a la
composición...
2.ELEMENTOS
DE SENSIBILIZACIÓN DE SUPERFICIES
La
manchaLa mancha es la parte de la superficie pictórica o dibujística que tiene un color, una oscuridad/ luminosidad o una textura distintos a los del resto de la obra. Es un recurso expresivo muy utilizado por los pintores y confiere al cuadro sensación de frescura, de espontaneidad y de libertad creativa.
Aplicaciones de la mancha en el dibujo expresivo
La
mancha sirve para estructurar superficies, para encajar, para crear volumen o
espacio. Posee evidentes ventajas frente a otros elementos del dibujo, pero también
inconvenientes manifiestos. Entre las ventajas se encuentran la rapidez en la
ejecución de la obra y la expresividad fácil e inmediata. Entre los
inconvenientes, hallamos una mayor dificultad de aplicación para los
principiantes. Al ser la mancha un elemento más gestual que la línea o el
punto, proporciona menor exactitud que éstos a la hora de encajar, de valorar
el claroscuro y de crear efectos espaciales o volumétricos.
LA
TEXTURA
En
el dibujo, la textura es siempre visual, bidimensional y no perceptible al
tacto. Dota de gran expresividad a las superficies a las que se aplica.
Existen
tramas impresas presentadas en papel opaco y en láminas transparentes
autoadhesivas. En estas tramas podemos encontrar estructuras geométricas o
imitaciones al trazado irregular como el que se podría obtener realizándolas a
mano (figura 9).Tienen mayor valor estético las texturas creadas por el dibujante, sujetas a su capacidad creativa y a su destreza manual. Por lo general, presentan una ordenación irregular de los elementos que las componen y son mucho más adecuadas que las primeras para la modulación tanto del volumen como de la luz de las figuras a las que se aplican.
El
color
El
intento de decidir qué es más importante en un dibujo, la línea o el color, ha
generado históricamente opiniones enfrentadas. Para muchos autores tradicionales
la línea es realmente el elemento estructurador de las formas, mientras que el
color cumple un papel meramente expresivo, sin valor configuradorEn la actualidad, gracias a los descubrimientos de la teoría de los colores y a la evolución del arte moderno, se reconoce la importancia del tono y la versatilidad de sus aplicaciones, que la equiparan a la de la línea. La aplicación del color en el dibujo no sólo corresponde a la modulación de las formas, sino que también debe estar presente en el fondo de la obra para dotar así de coherencia al conjunto. Esto se puede obtener fácilmente utilizando soportes coloreados.
3.SINTAXIS
DE LOS ELEMENTOS GRÁFICOS
La
sintaxis y sus elementos
La
sintaxis de una obra dibujística es el estudio de la relación que se establece
entre todos los elementos gráficos ylas leyes que los ordenan.Los aspectos básicos de la sintaxis gráfica son los siguientes:
1.
La posición del soporte
Lo
primero que se debe hacer antes de proceder al encajado de cualquier forma es
elegir la posición que tendrá el soporte. Para ello, observaremos detenidamente
el modelo y estudiaremos las dimensiones predominantes. Así, si la altura es
superior a la anchura, situaremos el papel en posición vertical. Si, por el
contrario, es la anchura la dimensión que predomina elegiremos la posición
apaisada.
2.
La relación figura/ fondo
El
segundo paso a seguir consiste en concretar a grandes rasgos la porción de
superficie que va a ocupar el dibujo, es decir, establecer la relación entre
figura y fondo. Es conveniente, por lo tanto, marcar unos márgenes en el papel
que delimiten el espacio que van a ocupar las formas. El margen superior debe
ser de mayor tamaño que el inferior con el fin de dar sensación de peso a la
composición.
Un
error muy frecuente entre los principiantes es no fijar de antemano la relación
figura/ fondo, con lo que el dibujo suele resultar demasiado pequeño o
demasiado grande para el soporte.
3.
La medición de las dimensiones
Para
ayudarnos a conseguir la proporción de las formas y establecer la relación
entre las partes y establecer todo,
podemos utilizar la longitud del lápiz. Con el brazo bien extendido, situaremos
la punta de lápiz en la parte superior del objeto que queremos y, con el dedo
pulgar, señalaremos la parte inferior o base. La medida así obtenida no sirve
para trasladarla al papel, pero sí para asegurarnos de la correspondencia entre
las dimensiones.
El
brazo debe estar extendido al máximo en todo momento. Las medidas se tomarán
mirando el objeto con un
ojo cerrado. Se medirá la altura total y, a continuación, girando el lápiz, se
comprobará si esa magnitud es menor o mayor que la anchura. Se repetirá la
operación con todos los objetos que componen el modelo y la relación de medidas
obtenida servirá para ir encajando las formas.
4.El
encajado
Una
vez superados los pasos anteriores se puede proceder al encajado de las formas.
Se trazan los ejes de simetría, silos hubiera, de cada uno de los objetos
atendiendo a la separación que hay entre ellos y a su posición espacial, que
puede ser vertical, horizontal o inclinada.
Después,
iremos situando a ambos lados del eje de simetría las proporciones que
corresponden a cada una de las partes del objeto, dibujando generalmente con
líneas rectas que encajen «perfectamente” las formas que queremos representar.
Es
éste un proceso que requiere una comparación constante entre las medidas de las
partes del objeto y la relación de dimensiones entre un objeto y otro.
A
continuación, se procede a la concreción de las formas, dibujando las líneas
curvas de los elementos.
El
planteamiento expuesto no es el único posible:
se
puede encajar también por medio de manchas o de líneas que marquen las
direcciones del movimiento o del ritmo interno de la composición, sin embargo,
estos métodos encierran mayor dificultad.
Por
otra parte, es útil tomar una parte de cualquier objeto como módulo o unidad de
medida y, partiendo
de
él, proporcionar el resto del conjunto. En ese caso pueden hacerse preguntas
como éstas: ¿Cuántas veces está contenido el módulo en la anchura o alturaObjeto al que pertenece? ¿Y cuántas, en la altura o de otros objetos?.
4. REPRESENTACIÓN SUBJETIVA DEL VOLUMEN Y EL ESPACIO
El
volumen y el claroscuro
Cualquier
forma representada sólo por su contorno se visualiza sin volumen, es decir,
plana, pero silo que pretendemos es crear sensación de volumen en el dibujo,
tendremos que recurrir al empleo del claroscuro.El claroscuro es el juego de luces y sombras presente en cualquier representación gráfica. Su finalidad esencial es la de modelar las figuras fingiendo la tridimensionalidad que le falta al soporte plano.
Las luces y las sombras
En toda forma iluminada se pueden distinguir diferentes zonas de luces y de sombras. En el dibujo se resuelve su representación aplicando los diferentes valores de las escalas cromáticas y acromáticas, según se trate de dibujos en color o en blanco y negro. Por esta razón, el aplicar correctamente las luces y las sombras en un dibujo recibe el nombre de valorar o entonar.
Generalmente, sobre el cuerpo a representar se encuentran las zonas de luces y sombras siguientes:
• La zona iluminada, que corresponde a la superficie que recibe la luz directamente.
• La penumbra, que es una zona contigua a la anterior, que al recibir los rayos luminosos de forma amortiguada presenta una sombra clara.
• La sombra propia del cuerpo, que es en donde se registra la máxima oscuridad del mismo.
• En algunos casos aparece el reflejo, que es una pequeña extensión cercana al contorno del cuerpo y débilmente iluminada por los rayos que reflejan las superficies próximas a él.
• La sombra arrojada, que es la que proyecta el propio objeto sobre los cuerpos o las superficies adyacentes.
Se puede valorar o entonar un dibujo utilizando cualquiera de los signos gráficos, desde el punto hasta las texturas, pasando por la línea, la mancha, etc. Cada uno de estos elementos proporcionará a la obra una expresividad particular y es el autor el que debe decidir a cuál recurrir en función de su intencionalidad plástica.
Para
llegar a dominar la técnica de entonación de un dibujo es muy conveniente
dibujar varias veces un mismo objeto aplicándole el claroscuro mediante la
utilización de puntos, manchas, texturas, etc.
El espacio
El
problema de la representación espacial sobre el plano del cuadro es una
constante a lo largo de la historia de las artes plásticas. Desde los hombres
prehistóricos, que dibujaban sobre los relieves y oquedades de las rocas para
dotar de volumen a sus pinturas, hasta obras contemporáneas, en las que se
rasga el lienzo para romper su bidimensionalidad, la historia de la pintura y
del dibujo ha pasado por una serie de etapas presididas por la búsqueda de la
materialización del espacio físico sobre el soporte.
Ya
hemos visto que el empleo del claroscuro ayuda a la representación volumétrica
de las formas y, en ocasiones, crea también efectos espaciales. No obstante,
hay otros métodos que producen en el espectador una ilusión espacial más
acentuada que el simple uso del claroscuro. Uno de los métodos másutilizado por los pintores y los dibujantes es el sistema cónico o perspectiva cónica, tanto en su variante lineal como aérea.
Los fenómenos perceptivos que colaboran a aumentar la sensación de espacio son los siguientes:
•
El traslapo.
•
La colocación de los primeros planos en la parte inferior del soporte.• La modulación de las texturas.
• El diferente tamaño de los objetos.
• La convergencia de las líneas paralelas. • La pérdida de definición por efecto de la lejanía.
5.
LAS TÉCNICAS GRAFICAS
Las
técnicas más utilizadasLas técnicas gráficas son los procedimientos que emplea el artista para la realización de sus dibujos. Las técnicas más usuales son las técnicas de lápices de grafito o de colores, carboncillo y lápiz compuesto, sanguinas, pasteles, tintas y técnicas mixtas.
Lápices
de grafito
Los
lápices de grafito están graduados según su blandura o su dureza en una escala
que va desde el 8B hasta el 8H: la letra B designa la blandura y la H la
dureza. El número antepuesto a dichas letras indica el grado de blandura o
dureza relativas. Así, un lápiz 7B será más blando que un 5B o un 3B. La misma
relación numérica se utiliza para señalar la dureza.Se puede dibujar con lápices de grafito de dos formas distintas: con la punta de la mina o con el lápiz tumbado.
Con la punta de la mina se pueden trazar puntos, líneas formando rayados, tramados o cualquier otro signo gráfico. Las diferencias tonales de las luces y las sombras se obtendrán uniendo o separando las líneas de los rayados —muy juntas o entrecruzadas para las sombras y separadas para las luces— o bien engrosando los trazos en las zonas oscuras y adelgazándolos en las claras.
El empleo del lápiz tumbado, por su parte, es idóneo para el dibujo de mancha. La mayor o menor presión ejercida sobre los lados de la mina proporcionará sombras de distintos valores. Los lápices de colores se utilizan exactamente igual que los de grafito y resulta muy interesante la combinación de ambos.
Carboncillo
y lápiz compuesto
El
carboncillo es la técnica más tradicional para ¡ el dibujo de estatuas y el
dibujo del natural.
1.
Al aplicar el carbón al papel del dibujo se desprenden una serie de partículas
que se pueden ex-tender con los dedos o con difuminos.
Las principales características del carboncillo a son su gran inestabilidad y su capacidad de producir a negros muy intensos.
El lápiz compuesto tiene la mina de carbón mezclada con un aglutinante que le da mayor fijeza sobre el papel. Existen tres grados de dureza: duro, medio y blando.
La combinación de las dos técnicas, carboncillo y Del lápiz compuesto, proporciona excelentes resultados y en la obra.
Por otra parte, un dibujo hecho a carboncillo no puede borrar con las gomas convencionales. Para corregir los posibles errores se utilizará un trapo blanco de algodón, miga de pan o gomas moldeables. Estas últimas sirven, además, para sacar toques de luz.
La
sanguina
Por
sus colores rojizos y la posibilidad de mezcla con carboncillo y creta
blanca, la sanguina es un medio adecuado para el dibujo de la figura humana,
esencialmente para el estudio de desnudos, porque proporciona una gran
variedad de matices a las carnaciones.Sus características son similares a las del carboncillo y, por lo tanto, su técnica es análoga a la de éste.
Se obtienen muy buenos resultados al trabajarla sobre soportes coloreados, como papeles ocres. grises, cremas...
Se puede difuminar con los dedos, difuminos y/o trapos. además del lavado, que consiste en diluir la sanguina mediante un pincel húmedo.
El pastel
Son barras de colores hechas con una mezcla de pigmentos y resinas. Se fabrican en gran variedad de colores x' en tres grados distintos de dureza, siendo los blandos los más aconsejables por su facilidad de uso y por los delicados matices cromáticos que se obtienen al aplicarlos.
El soporte adecuado para el dibujo al pastel es un papel que tenga una textura con bastante grano. Es conveniente el empleo de papeles coloreados puesto que si no se efectúa mucha presión con las barras. el polvo no penetra en el grano del papel y permite que se transparente el color del soporte.
Los tonos se aplican por medio de punteados, rayados y tramados se pueden difuminar con los dedos y con los difuminos.
Técnicas mixtas
Las técnicas mixtas son aquellas en las que el artista mezcla diferentes medios y procedimientos.
En dibujo es habitual que la obra no esté resuelta íntegramente con una misma técnica gráfica y que el dibujante combine varios procedimientos para obtener una mayor fuerza expresiva.
Lápices con ceras, pasteles con carboncillo, tintas con acuarelas o con gouache... cualquier combinación puede resultar sugerente siempre y cuando se respeten las características propias de cada técnica.
El dibujo es una técnica de representación gráfica mediante líneas, de
objetos tridimensionales sobre planos bidimensionales.
La necesidad de representar el mundo que le rodea, ha llevado al ser humano
a crear eldibujo. Las primeras formas de dibujo datan de
hace 35.000 años, del Paleolítico Superior, y se encuentran en las paredes de
las cavernas, como las pinturas de las cuevas de
Altamira (Cantabria, España), o las de Lascaux (Francia).
Los egipcios utilizaron este recurso para decorar las pirámides, contando
las historias de la vida de los faraones, y dignificando a los dioses, con
composiciones más elaboradas, minuciosas y coloridas.
Tipos de los dibujos
En la Grecia del siglo VI aC, el dibujo encuentra el máximo desarrollo. Con
el Imperio Romano, el dibujo abandona lo artístico y ornamental, para acercarse
a una doctrina práctica y útil, el dibujo se convierte así en
el instrumento para representar los proyectos constructivos. Surgen los
primeros planos, el dibujo técnico requiere de mejores técnicas y conocimientos
matemáticos.
Concepto de dibujo:
Dibujo es la representación manual de un objeto mediante líneas que limitan
sus formas y contornos. Es el arte de representar gráficamente sobre una
superficie plana bidimensional, objetos de tres dimensiones. El dibujo es un
medio arbitrario y convencional para representar linealmente la forma de un
objeto.
Materiales de dibujo:
Las técnicas del dibujo han variado con el transcurso de la historia.
Los instrumentos de dibujo más
empleados son el lápiz, el carbón, la pluma estilográfica (tinta china), el
pastel, el óleo, etc. En la actualidad, el dibujo ya no es simplemente una
técnica manual, sino que se ha incorporado el computador como instrumento para
el dibujo, donde se emplea un lápiz óptico o el Mouse.
En la prehistoria se adornaban con dibujos las paredes de las cavernas,
figuras de hueso, marfil, usando buriles, clavos, raspadores de sílice. Paras
aplicar las pinturas se utilizaban primitivamente los dedos, luego comenzó el
uso de pinceles fabricados con trozos de madera astillada, con plumas.
Los pigmentos se obtenían pulverizando arcillas rojas, ocre amarillo,
carbón, mezclándolos con grasa animal o extractos vegetales. Los colores
obtenidos eran de la gama de los ocres, rojos, negro, amarillos y pardo.
En Egipto, la superficie se preparaba con una capa de estuco, sobre la cual
realizaban el dibujo en color rojo, para luego trazar el contorno en negro.
El dibujo así realizado, obtenía una gran fijación al soporte,
por una reacción química.
Dibujos de Paleolítico
En Roma se empleó una técnica similar a la egipcia, la del fresco en los
muros, que constaba de aplicar la pintura cuando el soporte estaba aún fresco,
obteniendo así una fijación muy duradera. Para cuadros, los romanos utilizaron
la técnica del temple (unión de los pigmentos con clara de huevo), y la
encáustica en retratos.
En la Edad Media se inventa la técnica al óleo, donde se aglutinaban los
pigmentos con aceite, lo que permitió una evolución en la pintura.
En los últimos tiempos, los materiales empleados para el dibujo han variado
con la aplicación de las nuevas tecnologías, empleándose cada vez más el
ordenador para realizar dibujos, pues representa un ahorro de tiempo y
materiales. Existen innumerables programas de software para el dibujo, cada uno
especializado en cierto tipo de dibujo.
Psicología del dibujo artístico
El dibujante artístico dibuja aquello que no puede expresar con palabras,
por decirlo así: "teletransporta su imaginación y pensamientos" a un
lienzo que puede ser de papel u otro material. Todos los trazos hechos sobre el
lienzo, en conjunto representan la idea del dibujante, la cual alcanza bastante
aceptación si todo el delineado fué trazado con técnica, soltura y
originalidad. Dicho delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de
trazo con que se está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar,
pues un buen dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe
un procedimiento establecido para aprender a dibujar, cada dbujante perfecciona
su dibujo a su forma de pensar, pero cabe destacar que el arte del dibujo a
mano alzada solo se consigue dominarlo con práctica y dedicación.
Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos dividen a los
dibujantes en dos grupos: aquellos que solamente copian un dibujo o modelo ya
existente, los cuales hacen uso de su capacidad de observación y motricidad
para copiar la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de su capacidad
imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre
cerebro-mano para poder plasmar las imágenes que conciben en la mente. Este
último grupo es considerado como el de los verdaderos dibujantes, ya que
abarcan famosos personajes de la historia y a aquellos que crean famosos
personajes animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e incluso
artefactos que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más
criticados y señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado,
sobre todo a aquellos dedicados al dibujo del retrato y paisajista.
Dibujo significa tanto
el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura o imagen ejecutada en
claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace. El dibujo es una
forma de expresión gráfica, plasmando imágenes sobre un espacio plano, por lo
que forma parte de la bella arte conocida como pintura. Es una de las
modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje
gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas,
proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.
Autorretrato de Leonardo da Vinci.
Autorretrato de Leonardo da Vinci.
Historia
Nos valemos del dibujo para representar objetos reales
o ideas que, a veces, no podemos expresar fielmente con palabras. Los primeros
dibujos conocidos se remontan a la prehistoria, como los que se encuentran en
la Cueva de Altamira, donde nuestros antepasados representaron en los techos y
paredes de las grutas lo que consideraban importante transmitir o
expresar. Dibujos y pinturas de la cueva de Altamira.
De las primeras civilizaciones perduran escasos
testimonios de dibujos, normalmente, por la fragilidad de sus soportes (se han
hallado en ostraca y pinturas murales inacabadas), o porque eran un medio para
elaborar posteriores pinturas, recubriéndolos con capas de color. Las culturas
de la Antigua China, Mesopotamia, el valle del Indo, o el Antiguo Egipto nos
han dejado muestras evidentes de ello, ideándose los primeros cánones de
proporciones, como sucedió también en la Antigua Grecia y Roma.
Dibujar es equivalente a pensar. (Bruce Nauman).
El dibujo se establece siempre como la fijación de un gesto
que concreta una estructura, por lo que enlazacon todas las actividades primordiales de expresión y construcción vinculadas al conocimiento, a la descripción de
las ideas, las cosas y a los fenómenos de interpretación
basados en la explicación de su sentido por medio de sus